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Audrey Rose Burden & Nicole Wendel: YES_NO_YES
© Nicole Wendel

Anjal Chande: This Is How I Feel Today
© Samir Mirza

Gosia Gajdemska: the (first) touch
© Marta_Kawecka

Julia Gladstone mit Xenia Taniko: Thumb
© Julia Gladstone

Martijn Joling: The day after yesterday
© Martijn Joling

Manuel Meza: Ates
© Rafael Hernandez

Nicole Michalla/Maria Torrents/Alba del Rio Serrato: Nomen Nescio
© Rudolf Berr

Enrico Paglialungo & Giacomo Mattogno: Mapping
© Silvia Martella

Maria Novella Tattanelli: Grab
© Laurin Gutwin

Julia Vandehof: Persephone – A work in progress showing
© Julia Vandehof

 

10 times 6 – 10 kurze Stücke


14./15. April 2018, 20:30


"10 times 6" heißt: 10 Stücke, keines länger als 6 Minuten, an einem Abend.
Die Reihe gibt Tänzern, Choreografen, Regisseuren... die Möglichkeit, in einem einfach gestalteten Rahmen ihre Werke zu zeigen. Zum 11. Performer wird dabei der Lichtdesigner, denn nach exakt 6 Minuten geht das Licht aus. Was dann nicht gesagt bzw. getanzt wurde, bleibt im Dunkeln.

10 times 6 means: 10 pieces, each of them 6 minutes maximum in one evening.
The performance series offers upcoming choreographers, dancers, directors... the possibility to present their current works in a simple setting. The lighting-designer becomes the eleventh performer, when the light is switched off after six minutes. Everything that has not been shown by then stays in the dark.


Nicole Wendel & Audrey Rose Burden: YES_NO_YES, 2018
Konzept: Nicole Wendel
Performance: Audrey Rose Burdon, Nicole Wendel
Wie gehen wir auf kommunikative Impulse unseres Gegenübers ein? Wann stimmen wir zu? Wann nicht? Welche Angebote geben wir zurück? Audrey Rose Burden und Nicole Wendel begeben sich auf eine spielerische Suche und lassen die Intensität von Entscheidungen in ihrer Performance „YES_NO_YES” als einen physischen und zeichnerischen Dialog sichtbar werden. Die tatortartige Kreidezeichnung, die entsteht, verweist dabei wie ein Nachbild auf ihre Positionierungen.
Audrey Rose Burden ist Tänzerin und Musikerin, die in der Bodensee-Ballettradition aufgewachsen ist, einem avantgardistischen, expressionistischen Ballettstil, der in den 1930er Jahren in Österreich entstand, aber in Australien landete, weil sein Gründer vor dem Naziregime fliehen musste. Musik, Drama, Gymnastik und technisches Tanztraining nahmen einen großen Raum in Audreys Kindheit ein, zumal sie eine selektive Schule für darstellende Kunst besuchte. Als Erwachsene setzte sie ihre Tanzausbildung in Berlin fort, wo sie 2014 das Dance Intensive Programm der Tanzfabrik Berlin absolvierte. Während dieser Zeit vertiefte sie ihr Verständnis für ihren Körper dramatisch und fand ihre Stärke in ihrer avantgardistischen Basis aus Improvisation, Musikalität und Ausdruck durch Bewegung. In den letzten Jahren in Berlin hat Audrey auch umfangreich Klein-Technik trainiert, die ihr den Umgang mit der sich bewegenden menschlichen Form näher gebracht hat.
Nicole Wendel arbeitet mit dem ganzen Körper. Ihre prozessorientierte Arbeit beginnt mit der Zeichnung während Objekte, Performances, Filme und Fotografien aus ihr heraus entstehen. Wendel, die an der Universität der Künste bei Leiko Ikemura in Berlin studiert hat, wo sie heute noch lebt und arbeitet, performt mit ihrer Zeichenkunst. Wendel selbst versteht ihre Arbeiten im steten Übergang. „Des Images en Mouvement” („Bilder in Bewegung”) hieß eine 2015 im Pariser Goethe-Institut realisierte Einzelausstellung. Ein Prinzip ihrer Kunst ist der Versuch, Veränderung visuell festzuhalten.

How do we address the communicative impulses of our counterpart? When do we agree? When not? Which offers do we return? Audrey Rose Burden and Nicole Wendel embark on a playful search, making the intensity of decisions in their performance “YES_NO_YES” visible as a physical and graphical dialogue. The crime-like chalk drawing that emerges refers like an afterimage to their positioning.
Audrey Rose Burden is a dancer and musician who was raised under the Bodenweiser ballet tradition, an avant-garde, expressionistic ballet style that came out of Austria in the 1930s, but ended up in Australia due to its founder fleeing the Nazi regime. Audrey’s childhood was also filled with extensive music, drama, gymnastics and technical dance training, as she attended a selective performing arts school. As an adult, she continued her dance training in Berlin where she completed the Dance Intensive program offered at Tanzfabrik Berlin, in 2014. During this time she deepened her understanding of her body dramatically and came to see her strength in her avantgarde base of improvisation, musicality and expression through movement. During the past years in Berlin Audrey has also undertaken extensive training in Klein Technique, which has informed her approach to the moving human form.
Nicole Wendel's artistic practice engages the entire body. Her process-oriented work uses drawing as a point of departure out of which objects, performances, films and photographs emerge. Wendel is a graduate from the University of the Arts Berlin where she studied under the guidance of artist Leiko Ikemura, and where she lives and works to this day. Her primary focus lies in the performing of her drawn art, such as chalk paintings. Wendel sees her work as in a state of never ending transition. “Des Images en Mouvement” (Images in Movement), was the title of a solo exhibition curated by the Paris Goethe-Institut in 2015. One main principle of Wendel's art is to visually capture change.


Anjal Chande: This Is How I Feel Today
Konzept, Performance, Originalmusik & Text: Anjal Chande
„This Is How I Feel Today” ist ein Projekt, das die Nuancen eines jeden Tages anerkennt, reflektiert und spürt. Dieses Solo untersucht Fragen wie: Was bedeutet es, unsere Gedanken und Emotionen zu beobachten? Was bedeutet es, aufmerksam zu sein? Wie fühlt es sich an, in diesem politischen Moment zu leben? Was bedeutet es, sich lebendig zu fühlen? Die Arbeit versammelt ein Mosaik aus introspektivem Text, origineller Musik und improvisationsbasierter Bewegung, um diese Fragen auf persönliche und philosophische Weise zu untersuchen.
Anjal Chande (USA) ist Tanzkünstlerin, Komponistin, Autorin und Rechercheurin, geprägt vom multidisziplinären Tanz. Von der New York Times als „begnadete Stylistin" und von Time Out Chicago als „hinreißend poetisch” beschrieben, ebnet Anjal neue Wege als zeitgenössische Bharatanatyam-Praktizierende. Über alle ihre Leidenschaften und Disziplinen hinweg lebt Anjal eine unerschütterliche Verpflichtung zur Heiligkeit der persönlichen Stimme. Sie ist auch Gründerin des Soham Dance Space in Chicago, einem alternativen Studio mit einer weitreichenden Vision für die Möglichkeiten des indischen Tanzes. www.anjalchande.com

“This Is How I Feel Today” is a project that acknowledges, reflects on, and viscerally feels the nuances of each day. The memoir-style solo dance work investigates questions such as: What does it mean to observe our thoughts and emotions? What does it mean to pay attention? How does it feel to be living in this political moment? What does it mean to feel alive? The work assembles a mosaic of introspective text, original music, and improvisation-based movement to explore these questions in a personal and philosophical way. Original music score, prose, concept, and performance by Anjal Chande. Music recording by Anjal Chande, Jesse Hunter & Karl Olson.
Anjal Chande is an American dance artist, composer, writer, and researcher who innovates and introspects through multidisciplinary dance. Described by The New York Times as a “gifted stylist” and by Time Out Chicago as “arrestingly poetic”, Anjal is paving new pathways as a contemporary bharatanatyam practitioner. Across her passions and disciplines, Anjal holds an unwavering commitment to the sacredness of personal voice. She is also the founder of Soham Dance Space in Chicago, an alternative studio with an expansive vision for the possibilities of Indian dance. www.anjalchande.com


Gosia Gajdemska: the (first) touch
(...) der Moment des Berührens… Selbst auf den untersten Ebenen des Lebens hat dieser Moment etwas Entscheidendes. Er enthält… Wir träumen davon, wir stellen uns das vor, und das zivilisierte Leben ist nichts anderes als eine fortwährende Anstrengung, es zu vermeiden. Ob die Resistenz nach diesem Moment fortgeführt wird oder ganz aufgegeben wird, hängt vom Verhältnis der Kraft zwischen dem Berührenden und dem Berührten ab, oder vielmehr davon, wie sich der Berührte dieses Verhältnis vorstellt (…)
(Elias Canetti „Masse und Macht”)
Gosia Gajdemska ist Choreografin, Tänzerin, Performerin, Tanzpädagogin.
Seit April 2016 Vorstandsmitglied im K77 Studio e.V. Direktorin diverser Tanz- und Theaterprojekte (mit professionellen Künstlern, Kindern, Jugendlichen, Migranten, blinden und tauben Menschen). In meinen Bühnenarbeiten und Workshops verbinde ich verschiedene Tanztechniken (zeitgenössischen Tanz, Kontaktimprovisation, Improvisation) mit somatischen Praktiken und bildender Kunst. Ich kreiere auch site-specific Tanzprojekte. Im Moment liegt mein Fokus auf dem Thema Choreografie als visuelle Kunstform, Bild und Identität.

(…) the moment of touching… Even at the lowest levels of life this moment has something decisive…It contains… We dream of it, we imagine it, and civilized life is nothing but a sustained effort to avoid it. Whether resistance is continued after this moment, or is given up completely, depends on the ratio of power between the toucher and the touched, or rather on what the latter imagines this ratio to be (…)
"Crowds and Power", Elias Canetti
Gosia Gajdemska is a choreographer, dancer, performer and dance educator.
Since April 2016 member of the board of the K77 Studio e.V. Director of dance and theater projects (with professional artists, children and youth, immigrants, blind and deaf people). In my stage works and workshops I combine a variety of techniques and dance styles (contemporary, contact improvisation, improvisation) with somatic practices and visual arts. I also create site-specific dance projects. Currently I work primarily with the theme choreography as a visual art form, image and identity.


Julia Gladstone mit Xenia Taniko: Thumb
„Thumb” ist ein Ausschnitt aus „gen”, einer 2018 entwickelten Arbeit. Es ist eine Physik der Psyche, eine Maschine, die das Selbst rekonstruiert. Eine Skulptur der Zugehörigkeit. Ihre Substanz eine formlose, sich verwandelnde Masse – verwickelt und drängend. Gemeinsam werden die Performer zu einer Gemeinschaft multipler Selbst, ein Netzwerk interdependenter Beziehungen hervorbringend. Die Idee des individuellen, kohärenten Performers wird aufgelöst, um Raum zu schaffen für eine texturierte und unvorhersehbare Psyche-als-Landschaft. Wir widmen uns dem Primordialen und Unaussprechlichen, um in Echtzeit Zukunftskörper zu generieren, die neu ausloten, wie wir im Jetzt zusammen sein können.
Julia Gladstone ist eine Performerin, Künstlerin und Pädagogin, die das Selbst als etwas versteht, das die Grenzen physischer Konturen überschreitet. Ihre unabhängigen und kollaborativen Arbeiten wurden im Abrons Art Center (NYC), Volksroom (BE), Center Chorégraphique National (FR), Kelim Choreography (IS), The Brick Theater (NYC), Judson Memorial Church (NYC), Defibrillator Gallery (IL), Links Hall (IL), School of the Art Institute of Chicago (IL), Hampshire College (MA), und Inverse Performance Art Festival (AK) gezeigt.
Xenia Taniko ist Künstlerin, Choreografin und Performerin und lebt in Berlin. Ihre künstlerische Arbeit schöpft aus einer Kultur der Zusammenarbeit und widmet sich Choreografie als experimenteller Beziehungspraxis. Xenia ist Mitglied des Kollektivs female trouble und Absolventin des Studiengangs Tanz, Kontext, Choreografie am HZT Berlin (2016). Ihre Arbeiten wurden u.a. in den Sophiensaelen, Dock 11, P-Bodies Festival Leipzig (DE), Het Veen Theater Amsterdam (NL), Bazaar Festival Prague (CZ), präsentiert.

“Thumb” is an excerpt of “gen”, a new work developed in 2018. It is a physics of the psyche; a sculpture of affiliation; a machine that reconstructs the self. The substance is a formless, shape-shifting mass -- tangled and pressing. Together, the performers become a congregation of selves, resulting in network of interdependent relationships. The notion of the singular, coherent performer gets torn down to make way for a textured and unpredictable psyche-as-landscape. We harness the primordial and the ineffable in order to create future bodies in real time, recalculating how to be together right now.
Julia Gladstone is a performer, artist, and teacher who imagines the self beyond the limits of physical containment. She has presented independent and collaborative work at Abrons Art Center (NYC), Volksroom (BE), Center Chorégraphique National (FR), Kelim Choreography (IS), The Brick Theater (NYC), Judson Memorial Church (NYC), Defibrillator Gallery (IL), Links Hall (IL), School of the Art Institute of Chicago (IL), Hampshire College (MA), and Inverse Performance Art Festival (AK).
Xenia Taniko is an artist based in Berlin working in performance and choreography. Her art making draws from cultures of collaboration and approaches choreography as experimental practice of relating. Xenia is a member of the friendship-based collective female trouble and graduated from HZT Berlin in 'Dance, Context, Choreography' (2016). Her pieces have been presented at Tanztage at Sophiensaele Berlin, Dock 11 Berlin, P-Bodies Festival Leipzig (DE), Het Veem Theatre Amsterdam (NL), Bazaar Festival Prague (CZ), a.o.


Martijn Joling: The day after yesterday
Konzept: Martijn Joling
Performance: Amy Pender (14.4.), Ichiro Sugae (15.4.)
Ein Darsteller wird auf eine Bühne gestellt ...
...und bekommt einen Score
Die Partitur kann maximal 24 Stunden vor der Vorstellung in Empfang genommen werden und nur einmal von einem Darsteller interpretiert werden.
Es gibt viele Informationen.
Sehr wenig Zeit...
„The day after yesterday” ist ein soziales und performatives Experiment zur Entscheidungsfindung. Wie entscheiden sich Menschen und auf welcher Basis?
Wie beeinflusst unsere Umgebung unsere Entscheidungen und was wird von uns erwartet?
Wie bewusst sind wir? Der Performer stimmte den Bedingungen zu...
Womit werden wir enden?
Martijn Dirk Joling begann seine Karriere als Rapper in den Niederlanden. Er konzentrierte sich auf Tanz/Performance Art, studierte kreative und kulturelle Performance an der ROC Amsterdam Dance Academy (2009) und schloss sein Studium mit einem Bachelor of Modern Dance an der Universität der Künste in Amsterdam (2014) ab. Martijn hat als Tänzer u.a. mit der Company Nanine Linning/Theater Heidelberg und am Staatstheater Braunschweig gearbeitet. Als junger Künstler ist er beeinflusst von seiner Umgebung, und mehrere Hintergründe inspirieren ihn dazu, mit einer Vielzahl unterschiedlicher Medien zu interagieren.
Amy Pender wurde in England geboren, wuchs aber in Norwegen auf. Sie machte 2014 ihren B.A.-Abschluss in Modernem Tanztheater an der Universität der Künste Amsterdam.
Während ihres letzten Studienjahres war sie Elevin bei der Islandic Dance Company. Als Tänzerin arbeitete sie u.a. mit der Spitfire Dance Company (Tschechien), Blenard Azizaj (Deutschland, Albanien), Cecilia Moisio (Niederlande, Finnland), Liat Waysboort (Niederlande, Israel) und vor kurzem erst mit Yaniv Cohen (Norwegen).
Ichiro Sugae wurde 1990 in Japan geboren. 2011 trat er der Tanzkompanie Noism2 von Jo Kanamori bei. Hier arbeitete er mit Jo Kanamori, Yoshifumi Inao, Yuki Yamada und anderen zusammen. 2016 war er an „Que hare yo con esta espada?” von Angelica Liddell beteiligt, einem Stück, das zu mehreren Festivals wie Festival d'Avignon, Israel Festival und FIND Festival eingeladen wurde. Ende 2016 begann er seine Karriere als freischaffender Tänzer in Berlin und arbeitete mit Shangchi Sun, Tarren Johnston sowie im Moment mit Rui Horta.

A performer is placed on a stage…
..and received a score
The score can only be given within 24h before the performance and can only be interpreted once by a performer..
There is a lot of given information..
Very little time..
“The day after yesterday” is a social and performative experiment on decision making.
What do people choose, and based on what do people choose?
How affected are our choices by our surroundings, and what is expected of us?
How aware are we? The performer agreed on the terms..
What will we end up with?
Martijn Dirk Joling started off his career as a Dutch rapper in The Netherlands. He switched his focus to dance/ performance art, studied creative & cultural performance at the ROC Amsterdam dance Academy (2009), and graduated with a BA of Modern Theatre Dance at the Amsterdam University of the Arts (2014). Martijn has worked as a dancer a.o. with Dance Company Nanine Linning /Theater Heidelberg & State Theatre Braunschweig. As a young artist he’s influenced by his surroundings, and multiple backgrounds inspire him to interact with a variety of different media.
Amy Pender was born in England, but grew up in Norway. She graduated with her BA of Modern Theatre dance from Amsterdam University of the Arts in 2014. During her last year of school, she was an apprentice with the Icelandic Dance Company. As a dancer she has a.o. worked with choreographers and companies such as Spitfire Dance Company (CZ), Blenard Azizaj (DE/AL), Cecilia Moisio (NL/FIN), Liat Waysboort (NL/IL), and most recently Yaniv Cohen (NO).
Ichiro Sugae was born in 1990 in Japan. He joined the Dance company Noism2, directed by Jo Kanamori in 2011. Here he worked with Jo Kanamori, Yoshifumi Inao, Yuki Yamada and more. In 2016, he participated in “Que hare yo con esta espada?" by Angelica Liddell, a piece which was invited to several festivals such as Festival d’Avignon, Israel Festival and FIND festival a.o. At the end of 2016, he started his career as a freelance dancer based in Berlin and collaborated o.a. with Shangchi Sun, I COULD NEVER BE A DANCER, Tarren Johnston, and is currently working with Rui Horta.


Manuel Meza: Ates
In der Hoffnung, ein Gespräch anzustoßen, ist „Ates” ein Versuch, die energetische Verbindung zwischen Trauer und Sucht zu finden. Wenn der Schmerz, einen geliebten Menschen zu verlieren, zu stark wird, suchen wir oft nach einem Weg, vor der Realität zu fliehen und uns zu betäuben. Sobald der Schmerz nicht länger überwunden werden kann, bleiben wir mit einer Welle der Agonie zurück.
Manuel Meza ist ein mexikanisch-amerikanischer Choreograf und queerer Performer aus Kalifornien. Manuels Solo-Performances basieren auf Ritualen, die darauf abzielen, die energetischen Schwingungen durch eine Verschiebung der Aufmerksamkeit zu verändern. Mit seiner Arbeit möchte er Stimmen repräsentieren, die heimlich und leise in der Dunkelheit zurückgehalten werden. Diskriminierung, Missbrauch, Rassismus und Sucht sind wiederkehrende Themen, die er durch improvisierte Selbstfindung, Rituale, Meditation und energetische Manipulation bearbeitet. Manuel sucht nach den inneren und äußeren Verbindungen zwischen emotionalem/energetischem Bewusstsein und physischer Verkörperung. Manuel hat einen Bachelor in Fine Arts am California Institute of Arts (CalArts) in Los Angeles, USA.

Hoping to spark a conversation, “Ates” is an attempt to find the energetic link between grief and addiction. When the pain of losing a loved one is too severe we often times look for a way to numb us from reality. Once the pain can no longer be subdued we are left with a flood of crippling agony.
Manuel Meza is a second generation Mexican/American and Queer identifying performer and choreographer from California. Manuel’s solo performance work is based in ritual, aiming to alter his energetic vibrations through the shift of conscious awareness. His work aims to bring representation to the silent voices secretly suffering in darkness; Often times tackling subjects regarding discrimination, abuse, racism, and addiction. Through the means of improvisational self discovery, ritual, meditation, and energetic manipulation; Manuel searches for the internal and external links between emotional/energetic awareness and physical embodiment. Manuel holds a BFA degree from the California Institute of the Arts (CalArts) in Los Angeles, USA.


Nicole Michalla/Maria Torrents/Alba del Rio Serrato: Nomen Nescio
„Nomen Nescio” handelt von Gedächtnis und Schizophrenie. Selbst ein schizophrener Charakter, stellt „Nomen Nescio” all jene dar, die von einer Gesellschaft ohne Erinnerung isoliert und vergessen wurden. „Nomen Nescio” bezieht sich auf eine unbestimmte Person oder jemanden ohne eine spezifische Identität. Das Stück kreist um die Bedeutung, die Erinnerung bei der Konstituierung von Identität und der Konstruktion kollektiver Erinnerungspolitik hat. Inspiriert von dem argentinischen Musiker Luis Alberto Spinetta, Vincent van Gogh und Antonin Artaud, die für sich eine andere Realität geschaffen haben, macht dieses Stück sie alle wieder sichtbar.
Maria Torrents, geboren in Spanien, studierte am Institut del Teatre de Barcelona und bei der Postgraduiertencompany It Dansa. Nach ihrer Tätigkeit als freiberufliche Tänzerin zog sie nach Berlin, wo sie mit der Entwicklung eigener Projekte und der Zusammenarbeit mit anderen Companies beginnen konnte.
Alba del Rio Serrato (Spanien) ist Biochemikerin und studiert im Moment an der Charité im Masterprogramm Medizinische Neurowissenschaft. Sie ist daran interessiert, Kunst und Wissenschaft in ihrer täglichen Praxis als Wissenschaftlerin zusammen zu führen.
Nicole Michalla, geboren in Argentinien, hat einen Abschluss in Ernährungswissenschaften und studierte zeitgenössischen Tanz an der Nationalen Universität der Künste. In Berlin arbeitet sie mit bildenden Künstlern, Musikern und Theaterregisseuren zusammen.

“Nomen Nescio” is about Memory and Schizophrenia. A schizophrenic character himself, “Nomen Nescio” represents all those isolated and forgotten by a society without memory. “Nomen Nescio” refers to an undetermined individual or someone without a specific identity. This piece highlights the importance memory has in the constitution of identify and the construction of collective memory policies. Inspired by the Argentinian musician Luis Alberto Spinetta, Vincent van Gogh and Antonin Artaud, who created a different reality for themselves, this piece makes them all visible again.
Born in Spain, Maria Torrents studied at the Institut del Teatre de Barcelona and the postgraduate company It Dansa. After working as a freelance dancer, she moved to Berlin where she could start developing her own projects as well as collaborating with other companies.
Alba del Rio Serrato is a spanish Biochemist doing a Masters in Medical Neuroscience at Charité UniversitätsMedizin. She is interested in making art and science converge in her daily practice as a scientist.
Nicole Michalla, born in Argentina, awarded a degree in nutrition and studied contemporary dance at the National University of the Arts. In Berlin, she collaborates with visual artists, musicians and theater directors.


Enrico Paglialungo & Giacomo Mattogno: Mapping
Konzept: Enrico Paglialunga & Giacomo Mattogno
Original Live-Musik: Giacomo Mattogno
Tanz: Enrico Paglialunga
Das Projekt ist eine ambitionierte Idee, die sich aus dem Interesse beider Künstler an einer neuen stimulierenden Forschung ergibt, die in der Lage ist, die Beziehung zwischen Musik und Bewegung neu zu gestalten. Ausgehend von einer gemeinsamen Betrachtung des Aufführungsraums als musikalischen Boden führen vorgegebene Parameter die beiden Darsteller in eine experimentelle Interaktion zwischen Raum, Klang und Bewegung. Der Komponist reagiert auf das Bewegungsmuster des Tänzers, der nach und nach das Verhältnis von Klang und Raum untersucht. Die Kreation ist ein work in progress und basiert auf einer ersten Idee, die sich noch in der Entwicklung befindet.
Am Samstag, dem 14. April 2018, ist Eric Alonzo Enricos musikalischer Partner. Eric ist freischaffender Künstler und kommt aus San Francisco. Er ist derzeit Mitglied von Junction to Humanity, einem elektronischen Musikprojekt aus Berlin.
Enrico Paglialunga ist ein italienischer Tänzer, Lehrer und Choreograf, der in Berlin lebt. Er hat in ganz Europa gearbeitet, unter anderem mit Helena Waldmann, Marko Weigert und Dan Pelleg, Wies Merkx, Mario Piazza, Sonia Rodriguez Hernandez und Sommer Ulrickson. Zurzeit arbeitet er mit dem Theater Strahl, DeDansers zusammen und unterrichtet international. Er hat das Stück „A New Beginning” in der Produktion „Kurzstrecke” der We Dance Company choreografiert; im März 2017 wurde er zu einer choreografischen Residenz an der Nationalen Tanzakademie Rom eingeladen, um sein neuestes Stück „Pantarei” zu erarbeiten.
Giacomo Mattogno (Italien) ist Toningenieur und Komponist, Gründer von JTH (Junction To Humanity). JHT ist ein Electro/Pop-Projekt, das aus den fruchtbaren Berliner Musikerkreisen Anfang 2016 hervorgegangen ist. Aufgrund seiner internationalen Ausrichtung vereint dieses Projekt verschiedene Kulturen, Einflüsse und musikalische Konzepte aus den USA, Deutschland und Italien. Die wichtigsten musikalischen Einflüsse umfassen eine breite Palette von Künstlern wie Beck, Alt J, Radiohead, Weval, Moderat.

The project is an ambitious idea coming from the interest of both performers in a new stimulating research capable of redesigning the relationship between music and movement. Starting from a common consideration of the performance space as a musical ground, pre-set parameters guide the two performers in an experimental interaction between space, sound and movement. The composer reacts on the movement pattern of the dancer that is gradually investigating the relationship between sound and space. The creation is a work in progress and is based on a first idea still in development.
On Saturday, April 14th, the piece will be performed together with Eric Alonzo, freelance recording artist from San Francisco. Eric is currently a member of Junction to Humanity, an electronic music project from Berlin.
Enrico Paglialunga is an Italian Berlin based dancer, teacher and choreographer. He has worked extensively throughout Europe namely with Helena Waldmann, Marko Weigert & Dan Pelleg, Wies Merkx, Mario Piazza, Sonia Rodriguez Hernandez and Sommer Ulrikson. Currently he collaborates with Theater Strahl, DeDansers and he teaches professional trainings internationally. Enrico has choreographed the piece “A New Beginning” in the production “Kurzstrecke”/Wee dance company; in March 2017 he has been invited for a choreographic residency at the National Dance Academy Rome to create his last piece “Pantarei”.
Giacomo Mattogno is a sound engineer and composer from Italy founder of JTH (Junction To Humanity). JHT is an Electro/Pop project in collaboration with the fertile musical circles of Berlin in early 2016. Due to its international characteristics, this project unites different cultures, influences and musical concepts from the US, Germany and Italy. The main musical influences encompass a wide range of artists such as Beck, Alt J, Radiohead, Weval, Moderat.


Maria Novella Tattanelli: Grab
„Wir finden uns als Ergebnis von etwas. Unsere Entscheidungen erlauben uns zu sein, wer wir sein wollen. Wir könnten uns von den Auswirkungen innerer Ursachen gepackt fühlen, die vorher bewusst oder unbewusst entstanden sind. An einem Punkt könnten wir uns entscheiden, aus diesen Ursachen herauszutreten, indem wir die Ketten ihrer permanenten Absichten brechen und tief hinab steigen, diese inneren Seile zu finden.
‚Grab‘ – als eine physische Reise - geht zurück, um Mustern und Verhaltensweisen zu folgen, um sensibel zu reflektieren, was es wirklich bedeutet, in Gefühlen, Situationen, Beziehungen, Umgebungen, in unserem Leben in unseren Gesellschaften fest zu stecken, bis wir Perspektiven für neue Anfänge finden.”
Maria Novella Tattanelli, ausgebildet am Opus Ballett in Florenz/Italien, besuchte Workshops im Ausland wie The Place London und war mit einem Stipendium bei der Tipperary Dance Platform in Irland und bei Nod Workshops in Turin/Italien. Darüber hinaus arbeitete sie in Israel mit der Kibbuz Contemporary Dance Company, mit Sharon Vaisvaseer und Eyal Dadon, sowie mit Ensembles wie Batsheva Ensemble, L-E-V von Sharon Eyal, Imbal Pinto & Avshalom Pollok. Derzeit ist sie Tänzerin bei Cia. Sonia Rodriguez Hernandez, Berlin in der Produktion „Mabel”. Aktiver Unterricht, Auftritte und Projekte in Berlin.

“We find ourselves as a result of something. Our decisions allow us to be who we want to be. We might feel grabbed by effects of inner causes previously established, consciously or not. At one point we might decide to stand out of this causes, breaking the chains of their constant tendencies and going deep down into finding their inner ropes. ‘Grab’, under a physical journey, goes back to follow same patterns and behaviors in order to give a sensitive reflection about what really means being stuck into feelings, situations, relations, environments, in our life among our societies, until we find renewed perspectives for new beginnings.”
Maria Novella Tattanelli, trained at Opus Ballet in Firenze and attended workshops abroad like The place London as well as receiving a Scholarship with Tipperary Dance Platform, Ireland and Nod workshops, Torino. Further more she continued in Israel with the Kibbutz Contemporary Dance Company and she closely worked with Sharon Vaisvaseer and Eyal Dadon and getting close to companies such as Batsheva Ensemble, L- E-V by Sharon Eyal, Imbal Pinto & Avshalom Pollok. Currently dancer at Cia. Sonia Rodriguez Hernandez, Berlin in the production “Mabel”. Active Teaching and performing in Berlin collaborating also with Ex-Theater, Shape Production, TanzFabrik Berlin, FabrikPotsdam. As a choreographer she has been traveling with Grab-Solo|Project being guest at Gdanski Festiwal Tanca. She is also part of the creation of “Nostoi view room” ZA|Danceworks supported by Teatro Gioia Piacenza, Teatro Trieste 32, and Teatro Fonderie Limone Moncalieri Torino. TP|progect ‘Xipsilon’ in colaboration with Enrico Paglialunga supported by Theater Strahl Berlin and Glougair art galery Berlin. Ichair project, Israel, in collaboration with the artist Raffael Lomas supported by Kibbutz contemporary dance company.


Julia Vandehof: Persephone – A work in progress showing
Eine Blume, 7 Stück Granatapfelkerne, ein Schatten.
Sie hat das Essen der Toten probiert, sagen sie.
Die Performance taucht in die Welt vertrauter Geister und Phantome, Ausgangs- und Referenzpunkt ist die mythologische Geschichte von Persephone und ihre unausgesprochene Schattenseite. Der Hades, die Unterwelt mit seiner detailliert beschriebenen Landschaft, seinen Geschichten, Charakteren und Göttern, ist Inspiration. Persephone, die Königin der Toten, bezieht sich auf den Zyklus Leben – Tot - Wiederauferstehung und die Notwendigkeit, den Tod im Leben umarmen zu lernen.
Das Publikum wird in das Haus des Hades eingeladen. Die Atmosphäre wird durch Bewegung, non-linares Storytellig, Sound und Licht kreiert.
Ainhoa Hevia Uria (Spanien, 1993), Julia Vandehof (Österreich, 1984), Niall Machin Fallon (England, 1994), Angharad Matthews (Wales, 1982), Berta del Ben (Italien, 1988) – alle studieren derzeit in einem postgradualen Master-Programm für Devised Theater.

A flower, 7 seeds of a pomegranate, a shadow.
She tasted the food of dead, they say.
The performance is a descent into a world of familiar ghosts and phantoms with particular reference points to the myth of Persephone and the unspoken shadow sides of this narrative through non- linear storytelling. The Hades, as well described world of the dead with all its stories, landscape, characters and gods, is incredibly inspiring. Persephone, the Queen of the Dead points to the life-death-reserruction circle and to the fact that we need to learn to embrace death in life.
In the performance the audience will be taken in the house of hades. The atmosphere will be created through movement, sound and light.
Ainhoa Hevia Uria (Spain, 1993), Julia Vandehof (Austria, 1984), Niall Machin Fallon (England, 1994), Angharad Matthews (Wales, 1982), Berta del Ben (Italy, 1988) – They are currently studying together in a Postgraduate Master Program for Devised Theater in Berlin.